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Chifladas Tango: “Ni una pandemia nos pudo parar” | Su segundo disco se llama “Desborde”



Chifladas Tango celebra su décimo aniversario de trabajo conjunto con el lanzamiento de Desborde, su segundo disco. La placa supone una enorme evolución desde Toco madera, primera entrega del grupo de mujeres tangueras. Si en el primero buscaban su voz dentro del medio, en Desborde muestran un sonido afianzado, composiciones propias (la mitad de sus integrantes aportan temas al disco) y arreglos originales de colegas contemporáneos (Julián Peralta, Victoria di Raimondo –quien también canta como invitada-, Agustín Guerrero, Ramiro Gallo y Néstor Gómez) pensados para su atípica formación de vientos y cantora. El disco incluye “Iluminame, por favor” , de Julia Winokur (flauta traversa), y “Vértigo”, de Camila Mandirola Lucci (clarinete bajo).

Son ellas dos quienes hablan con Página/12 para contar sobre el disco, repasar la trayectoria del grupo (que se completa con Nazarena Anahí Cáceres en la voz, Agustina Kuntze en flauta traversa, Silvina Montagnoli en flauta en G y Soledad Lugano en clarinete) y la situación de las músicas de tango en la actualidad.

¿Cómo llegan a los 10 años del grupo?

Camila Mandirola Lucci:-Creo que felices de estar juntas. Fueron 10 años de largo recorrido donde pasaron muchísimas cosas. El grupo fue creado por Anita Trillo y fueron muchas las ‘chifladas’ que pasaron por acá, y están siempre presentes aunque hayan ido a nuevos rumbos. Empezamos primero con un trabajo de investigación de la sonoridad del tango, pasar de los instrumentos más tradicionales a los nuestros. Buscar el toque tanguero con nuestros instrumentos de viento. Después fuimos mutando y buscando nuestra propia identidad. Eso se ve muy reflejado en Desborde, donde buscamos qué puede aportar esta tímbrica. Los arreglos los pensamos desde el vamos para nuestra textura. Y es un disco muy actual, que nos representa en su totalidad. Así que llegamos con mucha pasión, después de 10 años el fuego está más prendido que nunca. Ni una pandemia nos pudo parar, somos hormiguitas muy trabajadoras.

Julia Winokur:-El grupo se afianzó mucho. Cambió a lo largo de los años pero siguió la misma línea. Nos encuentra a nosotras sintiéndonos en un lugar distinto, pidiendo menos permiso que al comienzo, cuando tocábamos arreglos o adaptaciones de arreglos y empezábamos a circular por el ámbito. Ahora nos animamos a tener un disco con temas propios, experimentar en los arreglos, a compartir ideas, discutir grupalmente los arreglos, la estética en todo sentido, no sólo musical

Este disco lleva varios años en preparación, ¿cómo fue ese trabajo?

J.W.: –Ensayamos una vez por semana desde hace diez años, así que hay un trabajo que decantó. Los arreglos los fuimos modificando a medida que aprendíamos cosas nuevas o sentíamos nuevas necesidades. Que una venga con una inquietud, reformular las funciones de los instrumentos, la voz, nuestras interacciones. Creo que en este disco se nota eso: las distintas búsquedas, los temas más viejos y más nuevos. Condensa los años que pasaron desde Toco Madera a este disco.

C.M.L: -Creo que una innovación de este disco es que apareció Naza, nuestra cantante. Ya teníamos la decisión de hacer tangos actuales y nuestros. Esas preparación tuvo que ver con componer más. Las compositoras del grupo fueron pensadas ya para el grupo. Eso se ve. Elegir composiciones de colegas actuales que nos representen, que sean referentes para nosotras. Los dos cortes de difusión, que son composiciones nuestras: “Iluminame, por favor” y “Vértigo”, tienen que ver con la identidad grupal. Una identidad común en que confluyen esas distintas búsquedas estéticas y se unen en nuestra sonoridad.

Mencionan “Iluminame”, que cierra el disco y señala una de las tantas deudas pendientes en el ambiente.

J.W.: -“Iluminame, por favor” partió de una gran catarsis, de cosas que veníamos experimentando como mujeres en el tango, en la música y en la sociedad en general. Y al mismo tiempo que muestra un gran cambio, sobre todo en nosotras, en concebir qué necesitamos, qué estamos dispuestas a aceptar y qué no, también muestra que hay mucho camino por recorrer, para nosotras mismas, en el ámbito tanguero en particular, y en lo social. Nosotras vamos buscando también el camino por el que transitamos el tango. Una manera que nos permita sentirnos lo más cómodas posibles. Por eso nos vinculamos con quienes creemos que aportan en ese sentido. Queda un largo camino por recorrer y depende de todas las mujeres del tango, nadie lo va a cambiar por nosotras, y tampoco queremos que nadie lo haga en nuestro lugar porque queremos participar en la configuración de las reglas del juego y no sólo aprender a jugar.

¿Cómo cambió el lugar de la mujer el circuito tanguero en estos años?

C.M.L.: –La participación de mujeres en el tango mutó mucho, por suerte. Hace 10 años no sólo éramos atípicas en nuestra formación de vientos, sino por ser un grupo sólo de mujeres. Había que tener coraje para hacer eso en el mundo del tango, por eso lo de “Chifladas”. Gracias a la lucha y militancia de todas se transformó esa realidad. Cada vez hay más agrupaciones de mujeres, cada vez más mujeres componemos, arreglamos, somos autoras, estamos arriba de los escenarios. Esa visibilización es gracias a la lucha colectiva de las organizaciones de género. Si bien en el tango hubo grandes referentas desde el comienzo, se invisibilizó su existencia. Gracias a la militancia y la lucha eso se está transformando y se ganan espacios. Nuestra voz es cada vez más escuchada, pero fue ganada. Es una gran celebración de nuestra época: hay una lucha colectiva, un hermanarse para conquistar esos espacios que nos fueron negados. Todo esto le hace muy bien al tango, que está vivo y en trasnsformación. Que esté la lucha feminista dentro del tango hace que siga vivo, efervescente, que pueda transformarse desde su música, sus letras y sus decires. Nos hace bien a todes.



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El Choque Urbano y una historia que conecta pasado y presente | Estará disponible por streaming su espectáculo “Fierro”



Una idea del despojo. La del gaucho Martín Fierro, aquel personaje de José Hernández de fines del siglo XIX, que es obligado a dejar su casa, su familia y marcharse a la frontera. A ese espacio marginado, en tensión. Una idea similar se le representó a Manuel Ablín y sus compañeros de El Choque Urbano en el transcurso de 2018, en pleno macrismo y sus políticas regresivas y liberales. La compañía de percusión, teatro y danza sentía en esos días la necesidad de construir una obra nueva y el texto poético de Hernández les vino como anillo al dedo para contar una historia que trazara puntos de contacto entre el pasado y el presente. Así nació Fierro, una obra que en 2019 recorrió todo el país y ahora se puede ver por streaming en el marco de la temporada de teatro del Paseo La Plaza.

“Lo comenzamos a trabajar en 2018 en pleno macrismo, un año muy difícil a nivel laboral. Y teníamos ganas de hacer una nueva obra, por una cuestión de impulso crítico a lo que habíamos vivido”, contextualiza Manuel Ablín, director general de El Choque Urbano. “El tener laburo te acomoda en un lugar donde la necesidad de crear o buscar nuevas alternativas disminuye; entonces hacía varios años que no estrenábamos una obra. Pero el 2018 nos encontró con esa necesidad de buscar a partir de un punto de partida, que en este caso fue el libro El Gaucho Martín Fierro”, cuenta Ablín. La obra está basada en la primera parte del libro de Hernández (La ida).

El espectáculo fue grabado antes de la pandemia en El Galpón de Guevara, con público en la sala, y el material editado estará disponible por streaming el viernes 4 y sábado 5 de diciembre, a las 21, a través de la plataforma Plateanet. “Para nosotros siempre es un desafío buscar algo nuevo dentro de nuestra propuesta y el público valora eso. Tratamos de reinventarnos en cada situación creativa para no quedarnos en el lugar cómodo”, dice el director sobre esta puesta que pone el acento en la palabra. En esta obra, combinan la música electrónica, el hip hop, el folklore, la cumbia y la música clásica; con coreografías de danza contemporánea, house, afro, tango y folklore. “No interesaba recuperar un poco el sentido de la palabra y fusionarla con la potencia musical y coreográfica de El Choque”, resumen Ablín.

-¿Y por qué la palabra ocupa un lugar central?

-Porque es un complemento muy rico, que nutre al movimiento y a la música. Le da sentido literal: la palabra sirve para afirmar. No deja al libre albedrío del espectador, como puede ser una coreografía, por ejemplo. La palabra es concisa, transmite una idea concreta. Y al releer el Martín Fierro nos situó en una situación bien contemporánea sobre el despojo de las personas, sobre la grieta. Sentimos que había un paralelismo entre lo que cuenta el Martín Fierro en la primera parte y lo que estábamos viviendo en 2018. Veíamos muchos Martín Fierro en la calle dando vueltas. Este libro trasciende todas las épocas, por eso es un clásico y sigue vigente.

-¿Y es la primera vez que trabajan tanto con la palabra, no?

-Es la primera vez que trabajamos sobre un texto concreto, algo poético y tradicional. Fue un gran desafío. Tanto en Fabricando sonidos como en La nave no existía la palabra, sino que era un lenguaje gutural, inventado. Y en Baila! aparece la canción con letra, fue un paso adelante en la narrativa de la obra. En Fierro agarramos los textos y en base a eso empezamos a componer encima, tanto musical como coreográficamente. Hay canciones y situaciones donde se narra la poesía.

-La primera escena transcurre en un basural, ¿Por qué ese escenario?

-Usamos la bolsa de basura como objeto madre, que permanece en todo el transcurrir de la obra. La bolsa de basura nos genera un montón de preguntas: qué hacemos nosotros con nuestros residuos. Ahí depositamos todo lo que no queremos y queremos tirar. Y los llevamos afuera para que se los lleven otros y esos otros también les genera una utilidad. Entonces, El Choque Urbano trabaja con la filosofía de resignificar el uso de los objetos para transformarlos en instrumentos. Todo lo que puede contener una bolsa de basura: lo que no le sirve a una persona le puede servir a otra. Una de las cosas que encuentra uno de los personajes adentro de la bolsa es un ejemplar del Martín Fierro. Y eso es un punto de partida de todo lo que sucede después: cómo un libro viejo puede despertar un sin fin de mundos a otras personas. También nos invita a preguntarnos qué hacemos con nuestros desechos, cómo podemos mejorar la vida de los otros ordenando la vida de uno también. Hay muchas cosas que se tiran en vano que podrían ser útiles, como la comida.

-¿Cómo se imaginan la recepción de esta obra por streaming? Lo de ustedes es muy corporal y de contacto fuerte con el público…

-Es raro, sí. A mí me cuesta mucho pensarnos en esta nueva modalidad. Y más teniendo en cuenta que la propuesta no fue concebida para eso. Está buenísimo como disparador, porque la multimedia está en un nivel expresivo muy complejo. Y muy dispar también: ¿Qué le llama la atención a la gente en su teléfono? Es interesante el lenguaje nuevo, lo que hizo la pandemia es enfocar a toda la gente de una en eso. Entonces, la propuesta de Fierro la tenés que pensar en cómo se veía en el teatro, porque no fue pensada para el streaming. El streaming es controversial, pero es la realidad que nos toca. Ya volveremos al vivo. Estas compañías se nutren de lo presencial.

-Ya están sucediendo espectáculos en vivo, con protocolos rigurosos, ¿Están analizando la posibilidad de la vuelta al vivo a corto plazo o no es algo que estén planeando?

-Estamos con algunos proyectos para llevar adelante en plazas. Es importante la idea de volver a las fuentes, porque nosotros arrancamos así: tocando en plazas. Entonces, es un buen momento para poder vivenciar esas instancias y recuperar eso que quizás se había perdido. No estamos pensando en teatros aún, porque es difícil a nivel producción actuar en un teatro ahora, con un treinta por ciento de público en la sala. Además, es una compañía grande, con veinte personas. 



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“Bailarle a los problemas”, la canción y el video de Irina Hauser | “A veces las canciones surgen en momentos muy felices y otras en momentos críticos”



Irina Hauser es periodista especializada en temas judiciales –de las más destacadas– pero también canta y compone canciones; la cuarentena la impulsó a explotar aún más esa faceta. “Bailarle a los problemas” surgió en uno de los peores días del aislamiento y la frase le pertenece a Rocío, su hija de 11 años que también canta, toca la guitarra y está muy conectada con el arte. Hauser pasó por la cocina justo cuando estaba jugando con sus amigas al Roblox, un videojuego donde construyen mundos imaginarios de manera colectiva. Dos chicas se estaban peleando, el avatar de Rocío bailaba y su madre escuchó al vuelo la frase que hoy da título a la canción: “Le había salido del alma una de las ideas más lindas del mundo. Y pensé que en nuestra casa se baila, se canta y se juega, y que es parte de lo que nos sostuvo todo este tiempo sin tiempo que redefinió nuestras relaciones, las prioridades y toda la vida al fin”.

La periodista trabaja en Página/12 y C5N, canta desde hace muchos años y escribe canciones, pero hace poco empezó a subirlas a las plataformas. “A veces las canciones surgen en momentos muy felices y otras en momentos críticos. En este caso, fue un intento de juntarnos de alguna manera, incluso con quienes no nos conocemos, porque cuando una canción empieza a cobrar vida empieza a ser de todos y todas. Eso es algo muy hermoso”, cuenta, y afirma que su creación refleja la magia sanadora y reparadora que tiene la música. Jose Teixidó es el responsable de la producción y los arreglos del tema, y cuando se les ocurrió convocar a amigos cantando las estrofas no pensaron que la iniciativa iba a tener tan buena recepción: “Empezamos a recibir un montón y fue una sorpresa hermosísima. En el video aparecen varios colegas, periodistas, porque para bailarle a los problemas no hace falta saber cantar. Ese era el espíritu”. Irina cuenta que hay algunos arrepentidos que no llegaron a enviar sus videos, así que fantasea con una segunda parte y concluye: “Es un momento que a mí me sirvió para tomar este impulso con la música, y cuando una canción empieza a ser de todo el mundo es el momento de mayor felicidad”.



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Concierto con los refugiados | En el marco del Día Mundial de la Música sin Fronteras



 “Puedo decir que la música nos ha salvado en Argentina, literalmente. La música es el mejor vehículo para la integración, jamás excluye. Detrás de una partitura somos todos seres humanos con el corazón desnudo. Honestamente, no sé qué hubiese sido de nosotros”. Las palabras del productor venezolano Omar Zambrano, director de la orquesta sinfónica Latin Vox Machine –compuesta por músicos migrantes, desplazados y refugiados–, sintetizan ese difuso y tan mentado concepto: la resiliencia. Desde que en 2017 comenzó a reclutar músicos que habían escapado de sus países y merodeaban las calles y los subtes porteños, podría decirse que ciertamente las cosas cambiaron. Este domingo, en el marco del Día Mundial de la Música sin Fronteras, vía streaming estarán al frente del Concierto con los Refugiados. Del otro lado de la pantalla habrá, de entrada, más de veinte mil personas.

Ideado por la Fundación ACNUR Argentina –dependiente de la Organización de Naciones Unidas–, con el objetivo de “dar un abrazo solidario a quienes lo han perdido todo, y llevar un mensaje esperanzador y de unidad a través de la música”, el concierto también tendrá en su escenario virtual a los artistas Pedro Aznar, Natalie Pérez y Connie Isla. “Este primer Concierto con los Refugiados definitivamente ha superado nuestras expectativas”, señala Facundo Funes, Director de Comunicaciones de Fundación ACNUR Argentina. “Es una manera de favorecer la integración de las personas refugiadas en las comunidades de acogida”.

A nivel global, las más de 79 millones de personas refugiadas y desplazadas en los últimos diez años –de las cuales cerca del 40% son niños y niñas– han llevado a que la situación sea considerada la mayor crisis humanitaria desde la Segunda Guerra Mundial. “Actualmente, las personas desplazadas en el mundo provienen principalmente de Siria, Venezuela, Afganistán, Sudán del Sur y Myanmar”, explica Funes. “No siempre se trata de guerras, como comúnmente se cree. En muchas ocasiones se debe a un temor de persecución, a la violación sistemática de los derechos humanos y a la violencia generalizada. Este concierto sirve para hacer aún más visible esa situación”.

La orquesta Latin Vox Machine, que cuenta con más de 150 integrantes, está compuesta principalmente por músicos venezolanos, aunque en los últimos meses se sumaron intérpretes peruanos, colombianos, ecuatorianos, chilenos y sirios. “Un evento de esta magnitud sirve para que sean escuchadas nuestras historias a través de la música, así como las historias de tantas otras comunidades, que se han visto obligadas a irse lejos de su hogar”, asegura Omar Zambrano. “La música y el arte nos dan el canal para unirnos, drenar, sanar, y reencontrarnos, y aunque jamás seremos los mismos, nuestra intención es seguir construyéndonos como mejores ciudadanos y como mejores seres humanos”.

* El concierto se realizará este domingo a partir de las 21. Se pueden reservar los lugares en www.conciertoconlosrefugiados.org. Con el registro se enviará un mail con el link para participar del evento.



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Contrafarsa, de regreso y con público | La legendaria murga actúa en Montevideo



Hace cuarenta años, una barrita de hijos de la clase trabajadora del barrio Sayago jugaba a ser murga. Entre padres metalúrgicos, militantes sociales, obreros gráficos y laburantes del ferrocarril, la gurisada soñaba lo que la mitad más uno del Uruguay: fundar una en serio. Y el futuro le llegó hace rato: aún con la dictadura cívico-militar en el poder, armaron una con el fin de festejar el Día del Niño de 1980. Se llamaba Firulete, y el primer recuerdo proviene de Gabriel Melgarejo. “Por entonces, las expresiones populares se las ingeniaban para hacerse oír, para resistir”, evoca uno de los fundadores de aquel entusiasta grupito que pronto cambaría el nombre por el de Contrafarsa. “Con el tiempo llegaron los pantalones largos y la desfachatez de incursionar en el Carnaval oficial, hasta que tocamos el cielo con las manos, al ganar el primer premio de la categoría murgas en el carnaval ’91. Lo único lamentable fue que tuvimos que cambiarnos el nombre, porque había un ventrílocuo que recorría los tablados bajo el nombre de Roberto y su muñeco Firulete. Esa situación nos produjo rabia y bronca”, evoca el murguero, en la previa del retorno de la agrupación tras un largo parate. La cita es los días 1°, 2 y 3 de noviembre –con público- en el Auditorio Nacional del Sodre.

Viene al caso el recuerdo porque, pese a la bronca inicial, el cambio de nombre está directamente vinculado a la posición estética e ideológica que la agrupación -también dirigida por el experimentado Edú “Pitufo” Lombardo– fue asumiendo con el tiempo. Contrafarsa, en rigor, nació bajo de la necesidad de hacer notar un grito de rebeldía juvenil “de oposición al sistema”, y devino enlazando sentidos con una forma de ser y estar en Carnaval. Punto alto de ese devenir fue, precisamente, El tren de los sueños, espectáculo que le hizo ganar el primer premio en el carnaval del 2000, y que la murga repondrá durante las tres fechas del retorno. El festejo, cuya versión en streaming será el martes 3 a las 20 por “Recitales app”, será doble: a las dos décadas de El tren… se le suman los cuarenta de vida. 

El tren… implica un viaje en el tiempo, ya que va para atrás y para delante de manera permanente, sobre todo en piezas como el cuplé ´El Recreo´, vinculada a las distintas etapas en la vida humana: el bebé, la infancia, la adolescencia y la madurez. En este sentido es una buena forma de conjugar pasado y presente”, señala este letrista y otrora ministro de economía de Tabaré Vázquez, que también colocó el tacto de su pluma sagaz y sensible en la retirada “El loco de la estación”. “Este es un personaje que uno se puede encontrar en muchas esquinas de Montevideo. Un tipo realmente entrañable, que nos enseña qué sencilla y extraña es la felicidad, pese a su situación. Hay un montón de cosas que quienes nos creemos normales tenemos para envidiarle a ese loco”, cuenta el compositor, como una manera no solo de achicar distancias conceptuales entre la puesta original y la de hoy, sino también de contrarrestar los años que la murga estuvo inactiva.

A los motivos de esa pausa temporal se refiere Melgarejo: “Como en todo grupo humano existen circunstancias de la vida que conllevan a un desgaste. Un colectivo artístico tiene crecimientos y necesidades diferentes entre sus componentes, y llega un momento en que es muy difícil acompasar esas necesidades. Por eso resolvimos parar, en honor a nuestra historia y a nuestro proyecto artístico, aunque esto no implicó no seguir cultivando nuestra amistad… son frecuentes las juntadas familiares, los buenos asados bien regados de bebidas espirituosas y las cantarolas generalizadas recordando carnavales de antaño, siempre con el ´bichito contrafarsiano´ a flor de piel. Por suerte, se volvieron a alinear los astros y aquí estamos”.

En vivo y con gente, incluso… algo que en la Argentina aún no se puede hacer. ¿Cómo es la situación en Montevideo para que pueda hacerse?

Gabriel Melgarejo: -Independientemente de otras consideraciones, todos reconocemos que el Uruguay ha tenido un correcto manejo de políticas sanitarias en esta lucha contra la pandemia. Esto ha permitido elaborar protocolos que, en forma sostenida, y siempre y cuando no existan rebrotes importantes, autorizan un aforo en las salas y teatros de un 45 a un 50%. Nuestra situación es que tenemos tres funciones agotadas, eso da casi 5000 entradas, y la actualidad indica que tendremos que realizar 6 funciones para poder fraccionar correctamente la taquilla. Sin renegar de la tecnología y las fabulosas posibilidades que hoy nos brinda, para el artista el público ahí en la platea lo es todo… esa conexión mágica entre el hecho artístico y el espectador es lo máximo.

En Argentina hay medios de comunicación que están fogoneando la idea de irse a vivir al Uruguay… casi que lo pintan, bajo intereses inconfesables, claro, como un paraíso. ¿Cuál es la realidad?

Álvaro García: -Que Uruguay es un país que históricamente ha tenido indicadores diferenciales en la región, pero en particular en los últimos quince años, dado que tuvo un período de crecimiento con distribución del ingreso. Lógico que esto se debe a un gobierno de izquierda, que implementó políticas importantes. Por ejemplo, pasó a ser un país de 4 mil dólares de Producto Bruto per Cápita, a 16 mil, además de lograr avances sustanciales en materia social. Claro que esto no califica como paraíso. Y menos ahora que nos gobierna una de las fuerzas políticas más conservadoras de la historia. Esto va a implicar cambios negativos para la mayoría de la población, que incluso ya se están viendo.

-Volviendo a la murga, se dice que, más allá de las cuatro veces que ésta se alzó con el primer premio en el carnaval, el de El tren… fue el más importante porque generó “un antes y un después” en la manera de concebir el género. ¿En qué sentido conserva su vigencia?

A. G.: -En que mantiene una estética básica, aunque con una renovación en los trajes, la puesta y la escenografía. Desde el punto de vista conceptual, obviamente que en veinte años hay muchas cosas que cambian, y otras que mantienen su vigencia. Por nombrar un ejemplo, el cuplé “El consumidor”, basado en una crítica muy fuerte al híper consumo en la sociedad de hoy, y en cómo esto nos condiciona como seres humanos, algo que tiene una vigencia absoluta. Desde el punto de vista político, también la tienen algunas cuartetas del “Popurrí Locomotor”, o la entrada de Papa Noel en Estación “La Navidad”. Son guiñadas al pasado, pero referidas al presente. 



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